Microcuradurías de Archivo
#3 Tecno(lógicas):
Creadoras sonoras en Chile 2004-2013

Artista medial, docente y gestora de proyectos educativos en arte y tecnología, procedente de Santiago. Licenciada en Artes visuales en la escuela de Arte y Cultura Visual de la Universidad Arcis, y posteriormente Magíster en Artes Mediales por la Universidad de Chile. Su trabajo pone en funcionamiento la relación de diversos campos como la tecnología, la ciencia y el arte.
Su propuesta gira en torno a la materialidad de los soportes análogos, tecnológicos y digitales, trabajando procedimientos para su instalación sonora, haciendo uso electrónica experimental o el grabado.
Desde lo material como concepto surgen transformaciones que tienen que ver con el objeto tecnológico, el estado medioambiental o el ámbito sociocultural.
Junto a Constanza Pinza, fundará Chimbalab (2008-2012), proyecto laboratorio, enfocado a trabajar de forma comunitaria con el barrio de la Chimba, un espacio donde confluyen prácticas que vinculan el arte, la ciencia y la tecnología desde la complejidad de su geopolítica. Ha participado en encuentros, festivales y bienales, realizando en estas instancias talleres, charlas, Open Hardware, experimentación electrónica y cultura DIY, donde destacan el Festival LIWOLI (Austria), SOL (España), EEII (Croacia),FILE (Brasil), Sudex (Argentina), Tsonami (Chile) y la BVAM (Chile), Festival de la Imagen de Manizales (Colombia). Actualmente es docente en la facultad de arte de la universidad de Chile, labor que combina con la gestión de proyectos educativos y su producción de arte como artista medial.

Práctica

Claudia González, ejerce de nuevo una práctica sobre el uso del recurso tecnológico, el diseño y construcción de dispositivos, desde el estudio de “la materialidad”, descubriendo la poética que aguarda el objeto y su composición en post de la carga discursiva que emite.
De este modo, en la recuperación de la “fórmula hechiza” o la revalorización de aparatos desactivados su obra presenta el caracter presente en la esencia latinoamericana, descrito por Claudia como “ algo propio”. Desde el uso de elementos como el cartón, alimentos como “la papa” o el agua, levanta una reflexión sobre la ecología y el territorio, que habla de su determinaciones económicas, políticas y culturales usando elocuentes estrategias estéticas desde el manejo de la tecnología experimental.
Su trabajo presenta una sintaxis entre el arte, la ciencia y el desarrollo estratégico del uso de las tecnologías.
Inicia sus pasos de manera intuitiva en 2005, con recursos como el vídeo, la instalación o trabajo con el telar, presentando un juego que establece contactos entre el lenguaje de la imagen audiovisual y el trabajo del tejido distinguiendo sus paralelos comunicativos.
A través de su formación “en artes y nuevas tecnologías” se implica en una reflexión sobre su uso y manipulación de forma crítica. A partir de ese momento comienza una inmersión por la fusión de esta, con los lenguajes plásticos; dibujo, grabado en diálogo con la impresión de circuitos electrónicos, desde una operatividad que se inicia de forma autodidacta. 003 Dispositivo (2014) y Concertinas: Máquinas de papel (2015), son obras que ponen en práctica estás formas de trabajo.
Este camino, la lleva a la formación de Chimbalab (2008 – 2019), con la artista medial Constanza Piña, un espacio donde confluyen prácticas que vinculan el arte, la ciencia y la tecnología inmersas en una espacialidad local, donde se ponen en consonancia las realidades locales, que muestran apariencias sobre la sociedad del momento, de esta unión surgen trabajos como; Proyecto emisora (2010), dispositivo portable que se alimenta de la energía de patatas o limones realizado por y para el mercado de la vega central o Art Meets Radical Openness (2012) donde se trabajan la intersección del arte y la tecnología, utilizando la low tech y el concepto de “ obsolescencia” para construir nuevos aparatos sobre sistemas energéticos de manera autosustentable.
En 2011, inicia una reflexión sobre los conflictos asociados al derecho del agua, creando instalaciones de gran valor escultórico y estratégico que investigan la conjugación del agua y la electricidad. Aquí aparecen materias como el metacrilato, el cristal, el cobre y el uso de dispositivos electrónicos que dan sentido a la relevancia sonora de sus obras. Esta experiencia estética se da a partir del descubrimiento de “la capacidad del agua como resistencia variable, para poder producir cambios en la frecuencia de los sonidos”.
Estas obras- estudio son planteadas como laboratorios para reflexionar acerca del significado del agua como abastecimiento para la vida, su administración y capacidad de movilización. Así se presentan varios monitoreos ambientales sobre la caída de las lluvias o los cursos de los ríos. En este desarrollo podemos observar obras como; “The Water Resistance’s Laboratory Toboggans y continuará con Laboratorio Interactivo Agua, Colombia, (2013), Hidroscopia Mapocho, Santiago (2017), Hidroscopia Loa, Santiago (2018), “The Water Resistance`s Laboratory Toboggans” (2016), Valparaíso o Hidroscopia / Loa (cu) (2019).

La enseñanza es una constante en su trabajo, como docente se ha interesado en el rescate de saberes marginados de las ciencias y la tecnología dominante. Algo que se puede observar en sus estudios sobre la“ Hidroscopia”, rescatando prácticas como “la rabdomancia” y “la radiestesia”. Es por ello, que ha revisado el hacer de los oficios populares o saberes ancestrales, llevados a su trabajo desde la recreación de prácticas artesanales o los talleres de barrio.

Artista sonora y docente de la ciudad de Santiago, que ha dedicado sus investigaciones teóricas y prácticas al proceso de trabajo que rodea al sonido. Licenciada en Artes Visuales, por la Universidad de Chile. En 2015 se trasladó a Barcelona, para estudiar el Máster en Arte Sonoro donde reside desde ese momento. Actualmente es Doctoranda en la Universidad Politécnica de Valencia. Sus primeras experiencias con el sonido nacen de la relación que existe entre el discurso y el ruido”, observadas desde la práctica de intervención de tecnologías en desuso como casetes encontrados en su casa y antiguos reproductores de audio. Ha recibido gran influencia de tendencias y artistas como Fluxus, John Cage y Juan Downey, conocimientos de los que ha indagado de forma intensiva en sus trabajos teóricos. Entre sus publicaciones figuran: “Sonidos visibles” Antecedentes y desarrollo del Arte Sonoro en Chile(2010), un trabajo realizado junto a Felipe Lagos Rojas y “Tra(ns)ducciones invisibles. Hacia una lectura del Arte Sonoro a través de la obra de Juan Downey” (2016), sobre la obra del artista chileno. Sus primeras investigaciones están relacionadas con el espacio y la temporalidad construyendo escenarios sonoros que ejercitan la memoria. Realizando de forma temprana intervenciones en el espacio público, acciones y happening, vinculadas al concepto de “Arte-vida”. Actualmente desarrolla una investigación que ha puesto la voz como «materia» en el centro de su estudio, para analizarla desde una perspectiva migrante recogida en las lecturas de un feminismo decolonial. En esta secuencia podemos encontrar trabajos como “ Intervención Sonoro Feminista” (2016) o “Más que mi Voz”, Santiago (2019) o el disco “Je s(onne) uis Ana”, Barcelona ( 2021). Ha trabajado como docente independiente y universitaria, dictando talleres que nos hablan de numerosos ámbitos del Arte sonoro; Introducción al Arte Sonoro, Santiago (2010), Taller de experiencias sonoras, Buenos Aires (2013), Experiencias sonoras en el espacio público, Santiago (2014), Intervenciones Sonoras, Electrónicas Urbanas, Barcelona (2016), Más que mi voz, Santiago (2019). Fue profesora de la Escuela de Música de la Universidad de Artes y Ciencias Sociales ARCIS, Santiago, donde impartía el electivo “ El sonido como elemento estético” (2011). Ha participado en diversos festivales y muestras colectivas como el encuentro Arte Cruces sonoros, en el Museo de Arte Contemporáneo MAC (2012), el Encuentro de Arte Internacional Blenar, con la obra Origami Sustentable (2013), el Festival Vértex Barcelona (2015), Festival Umbral México (2016), Señales Aleatorias: Retrospectiva de Arte Sonoro 10 años, realizada por Tsonami (2016).

Práctica

En el trabajo de Ana María, hay un gran recorrido que se inicia con la práctica de la performance y el happening como fórmula para crear “espacios de escucha” un concepto que acompaña la totalidad de su obra. En este ámbito el público se involucra desde varias perspectivas; en ocasiones se presenta como interruptor o conductor y otras es un mero observador. La disposición del sonido es amplificado desde dispositivos electrónicos y biomedios donde el cuerpo es el mismo portador del mensaje, permitiendo una escucha natural. Así lo demuestran trabajos como “Mesa para 4”, (2011), Pacto de silencio (2015) o intervención sonora-feminista (2016), sin olvidar la obra para radio “Casa de resonancia”(2014).

En sus primeras creaciones interviene objetos que guardan una relación estrecha con la artista, estos actúan como depósitos de memoria. Algo que sucede con los casetes dispositivos de grabación usados entre 1970 y 1990, marcan una impronta de profundo sentir ideológico y estético en su modo de hacer, salvaguardados por la artista incluso cuando el CD, entró en la cotidianidad eliminando su potencial.
En su trabajo ha ido depurando el uso de tecnologías sin evitarlas del todo, -usando medios low tech- no enfatiza su contacto de acuerdo a su postura crítica; al preferir concentrarse en elementos a su alcance, estableciendo una coherencia con la condición estructural a nivel socioeconómico en Chile y en relación con el mercado artístico.
En “Zona Impermeable”, instalación dispuesta en Museo de Arte Contemporáneo de Santiago en el año 2012, se amplifica de un registro sonoro de una pareja heterosexual teniendo sexo, junto a elementos cargados de sentido que han sido recogidos en la calle; calendarios de mujeres desnudas, espejos rotos, etc..
La depuración de las tecnologías, aparecen en trabajos de gran sutileza en la nueva etapa donde la propia voz, se convierte en estudio de materialidad. La “Intervención Sonoro Feminista”, (2016), realizada para el festival umbral, nos ofrece una formula para entender como el cuerpo se convierte el conductor del sonido. En este estudio encontramos la obra “Je s(onne) uis Ana” (2021), donde a través de reproductores de audio se plantea el impacto postcolonial de la lengua francesa.

En sus últimas investigaciones, practica una metodología auto-etnográfica que le ha permitido absorber las distintas miradas y testimonios del pensamiento feministas descolonial encontrando en esto, nuevos dispositivos para repensar los efectos sobre el tratado de la voz.
Su práctica se eleva desde el descubrimiento de la corporeidad de la voz que amplifica en sus acciones, desde términos íntimos como “sentipensar”, reflexiona de su sentido e identidad en numerosos contextos.
A través del cuerpo como vehículo sonoro y fuente de exploración- en el eje “ Voz-escucha-cuerpa”-, se tiende un puente entre el arte sonoro y los feminismos que desde el ejercicio de la escucha se elevan nuevas formas de relación fuera de los patrones heteropatriarcales. Dando lugar con esto a nuevos “contextos de escucha” que invitan a la diversidad de las voces a expresarse en disidencia.

Alejandra Pérez Núñez, t.c.c.“elpueblodechina” es artista sonora ruidista y hacktivista, natural de Punta Arenas. Doctora en Filosofía por la Universidad de Westminster, Inglaterra. Licenciada en Psicología y Estética por la Universidad Católica de Chile, Máster en Diseño de Medios por el Instituto Piet Zwart Rotterdam, Holanda. Presenta el sonido como centro de su trabajo, donde el ruido se convierte en un medio performativo, investigando con ello, los distintos fenómenos electromagnéticos encontrados en paisajes sonoros de ciudades y espacios naturales. En esta reflexión se genera un diálogo de superposiciones sonoras al dejar al descubierto las realidades captadas en las escuchas de baja frecuencia. En este ámbito ha ido construyendo al tiempo un fuerte trabajo colectivo con grupos y organizaciones de Europa, Canadá y Sudamérica, desde el que ha generado traducción de datos y conocimientos, construcción de dispositivos, mapeos, performance ruidistas entre otros proyectos. Ha realizado exposiciones individuales como; Hackeando Antártica, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile en Santiago. Hacking Antarctica, London Gallery West en Londres (2019). También ha participado en festivales y exhibiciones colectivas como Otros sonidos, otros paisajes en el museo MACRO en Roma (2017), el 15th International Festival of Extreme Experimental Music «Noise and Fury” en el DOM Centre» de Moscú (2016) y el Festival Transmediale, y Club Transmediale con Martin Howse Berlín (2008). En la primera década de los 2000 colaboró con colectivos de participación ciudadana y hacktivista en Barcelona y Bruselas así como en numerosos festivales, residencias y estancias de investigación en Rotterdam, Ámsterdam, Bruselas y París, Montreal, Moscú y Noruega. El año 2006 visita por tres meses Valparaíso y colabora con la Radioneta en el Espacio Ex-cárcel. En el año 2008 vuelve a establecerse en Valparaíso en Chile donde colabora con artistas y colectivos hacktivistas como el Taller de tecnología Libre de Valparaíso, Espacio G y CRAC Valparaíso. El año 2009 realiza Cartografía Sonora Antártica, proyecto con el que viaja a la Antártica a capturar sonidos imperceptibles. El año 2011 participa en el festival Piksel en Noruega donde realiza una performance en vivo con los sonidos de muy baja frecuencia (VLF) y sonidos grabados con hidrófono en la bahía Chile en Antártica. Entre el año 2012 y 2014, participa en la escena “noise” de Valparaíso realizando actos en vivo en jornadas como Alunizaje, Devotas del Ruido y las Fiestas Poseras, producidas por artistas como Kontra, Michel LeFranc y el Espacio G. En el año 2014 se adjudica la beca CREAM de la Universidad de Westminster en Inglaterra para sus estudios de Doctorado y se traslada a vivir en Londres. Luego de esto vuelve a Chile el año 2018 asentadose en la ciudad de Punta Arenas donde trabaja por tres años para el proyecto Centro Antártico Internacional en el Inach. Actualmente trabaja desde Peralillo en la provincia de Colchagua. Está vinculada como docente a la Universidad de Chile, colabora con el Doctorado de Estudios Interdisciplinarios de la Universidad de Valparaíso y con el Centro de Filosofía y Lógica (CEFILOE) de la Universidad de Valparaíso.

Práctica

Inició sus proyectos tecnológicos a mediados de los años noventa, en Chile. En los años 2001-2003 trabaja en Barcelona en el mapeo psicogeográfico de la ciudad con el colectivo Urbmedia. Esta tarea recoge influencias del pensamiento de Henry Lefebvre, Frederic Jamenson o la Internacional Situacionista, y se trata de una fórmula investigativa y experimental que ofrece la oportunidad de captar las claves que constituyen los ambientes sonoros de barrios de la ciudad. Zonas como El Raval, quedan documentadas desde la particularidad de los fenómenos sonoros que ofrecen las marcas encontradas en calles, azoteas o bares.
Más tarde encontramos trabajos que caminarán en órdenes relacionados como Radio territorios (2004), la radioneta FM, serie de transmisiones desde la ex-cárcel en su periodo de centro cultural autogestionado. Punto de encuentro para reflexionar acerca de la capacidad de interconectar diferentes localizaciones a través de la retransmisión de emisiones de radios de otras partes del mundo.

En su trabajo había acaudalado experiencias con la música y la recopilación de ruidos, sin embargo la estancia en Holanda, transformará sus prácticas al tomar contacto con filosofía y el hacer del software libre – Unix, Gnu-Linux y Pure Data.
Dentro de sus intereses investigativos, encontramos inclinaciones como la cibernética y al respecto organizó en conjunto son Steve Kovats y el Festival Transmediale de Berlín, dos conferencias, e “From Poetics to Systemics” o “De la Poética a los Sistemas” sobre el proyecto de proto internet Cybersyn y la conferencia de Humberto Maturana. Combinando esto, con influencias de amplio calado hacktivista que provenían de la estancia holandesa, en contraste de las corrientes que recoge de Barcelona enfocadas al urbanismo y los medios de registro.

En Rotterdam descubre una red extensa de creativos y pensadores de la tecnología, el arte y la cultura, con amplio sentido crítico que calará en su trabajo hasta el día de hoy. Resultado de estas formaciones nos encontramos con trabajos que crean sistemas telemáticos integrados como el streaming o la performance conectada.
“Picoroco”(2005) Bruselas-Valparaíso, es un ejemplo de esta práctica, denominado por Alejandra Pérez como “Circo patafísico” en alusión a Alfred Jarry y el estudio de las soluciones imaginarias, gracias a la creación de leyes que regulan las excepciones. Picoroco generaba una invitación a jugar en red, creando un setting con varios micrófonos y aparatos que emiten sonidos; de forma simultánea, Bots que se comunicaban entre ellos por chat, combinando esto en el espacio físico con una acción performática creada con circuitos caseros y feedback con microfotos.

La visualización semántica de texto en web, aparecerá más tarde entre sus labores, poniéndola en funcionamiento en entornos de afinidad como StudioXX en Montreal, así como la construcción de sonidos para vídeos en los trabajos de Bureau d’études de París, artistas que trabajan la creación de infografías del poder mundial.
Por otro lado también es invitada a una residencia artística en el Centro de Theremin de Moscú en el año 2007, donde podrá investigar sobre sensores, radio e historia de las artes basadas en la tecnología rusa. Algo que ha favorecido en la incursión de obras como; Propaganda electromagnética (2008), Radio Comunitaria de Codpa (2011) en el Altiplano chileno. Kashaskan Noise Andino (2013), desde la Paz hasta Antártica, un programa de Radio Arte para la Kunst radio de Viena. En Canadá, realizará una residencia en el Estudio XX, “mujeres y tecnología”.

En 2009 , inició una investigación a través de un viaje a la Antártica para grabar sonidos de baja frecuencia e imperceptibles al oído registrados con un receptor VLF y un hidrófono. Una tarea que devela la ionosfera de la Tierra, destapando “sonidos inaudibles a los sentidos desnudos”. En este proceso se crea un banco sonoro en línea que permite cartografiar estos sonidos imperceptibles, creando rastreos de registro en un entorno de 10 días dedicado al monitoreo ambiental.
Trabajo que ha continuado en otros ámbitos en sus investigaciones doctorales en Londres, sobre paisajes y frecuencias imperceptibles en sitios remotos.
Su actividad está enfocada a la atracción por lo imperceptible en el proceso elegido en el que se compromete, más que en concebir obras de forma usual, se desarrolla un método de aproximación donde en gran parte los casos se construye desde el sentido de lo efímero, ejercitando un perspectiva crítica en la traducción de conocimientos y fenómenos de su campo a las comunidades; donde en ocasiones ha podido instalar un trabajo de familiarización con la construcción de aparatos tecnológicos para su uso cotidiano, a través del hackeo, influyendo con ello en la ecología del lugar positivamente.

Proceso de obra

Acción Rizoma, es una obra sonora-visual de la artista Bárbara González, presentada como una experiencia artística expansiva donde se realizan una serie de ensambles sonoros- visuales desde elementos multidisciplinares de grandes matices. Desde el año 2006 se ha instalado en distintos circuitos; Galerías, museos, festivales y se ha fusionado con diversas disciplinas como la danza, las artes mediales, el cine, la música experimental, electroacústica, electrónica o el arte sonoro. La artista, en esta pieza numerada en distintas secuencias o ejercicios ha buscado la experiencia estética que involucra los distintos elementos con el cuerpo sin jerarquías. Entendido como un proceso en constante reconstrucción, variando de la combinación que el espacio y el tiempo otorga de las distintas perspectivas espaciales que brinda la geografía o arquitectura del lugar que se adopta como soporte, pero también junto con el propio contexto como detonante. La acción se da a partir de partituras sonoro-visual-corporal abiertas a la improvisación. En “Cajas Lumínicas” (2006-2007) asistimos a un patrón móvil de juego de luces intermitentes, que genera una sensación de imágenes proyectadas en movimiento situado y en los distintos espacios del soporte teatral que lo contiene: la acción es impulsada desde el cuerpo que emerge en un tramo de oscuridad, solo librado por la proyección que generan las pantallas de televisión, cajas de resonancia, líneas led,-imágenes de alarma, sintonización- el conjunto se une a secuencias sonoras experimentales; metrónomos, drones, glitch, intervenciones de voces grabadas, rebobinado de cintas y otros componentes que configuran un espacio visual de índole ruidista. Desde aquí se ejerce una intención de ofrecer a los participantes una acción rizomática donde se ejerzan nuevas lecturas de las posibilidades poéticas de los objetos y sus relaciones. Es importante reconocer la obra de Bárbara González como aparatos estéticos o “Campos de acción” que consiguen distorsionar la experiencia que tenemos sobre el espacio-tiempo desde un efecto kinestésico.

Proceso de obra

Es una obra sonora realizada en 2013, por la artista medial Mónica Bate, que relata el comportamiento piezoeléctrico de los cristales de Sales de Rochelle. La pieza se crea a partir de investigaciones científicas experimentales que exploran el fenómeno que habita en ciertos cristales, cuando son sometidos a tensiones mecánicas que dotan su masa de una polarización eléctrica. En este caso por medio del uso del high-tech se descubre que el cristal de Rochelle, ofrece vibraciones que permiten un resonancia, convirtiéndo a éste en objeto sonoro. Para traducir este suceso natural, se construye un dispositivo de escucha que hace posible amplificar la señal. En esta experiencia artística, el espectador descubre los aspectos íntimos que rodean a la arqueología de la electrónica, el sonido y las oscilaciones. La reacción de los cristales nos recuerda que estamos traduciendo fenómenos naturales de los que no somos conscientes, y que por tanto el uso de las nuevas tecnologías, ha podido transgredir la idea popular de que con ello nos separamos del mundo real o natural.

Proceso de obra

Instalación de la artista Graciela Muñoz, que deposita el paisaje sonoro de la corriente del Rio Baker en la región de Aysén, en el lecho seco del río Petorca en la V región. Ambos ríos, el presente y el desaparecido, son frutos de un conflicto geopolítico. Mientras que el Rio Baker está siendo amenazado por la construcción de una mega central hidroeléctrica que abastecerá de luz a todo el país, el río Petorca se desecó por efecto de la concesión y venta privada de agua. Sobre el lecho seco del río Petorca se disponen veintiocho dispositivos de audio, que durante ocho horas traen de nuevo el agua al cauce bajo una sensación sonora. La instalación permitía caminar por el pedregal que había dibujado la desaparición del agua en una intervención que equivocaba los sentidos y reivindicaba los desastres ambientales que se permiten en el país, por las prácticas extractivas de las que hace uso.